Clics Modernos (1983)

Músicos:
• Charly García: Piano Yamaha, Guitarra, Sintetizador Roland, Samplings, Caja de Ritmo y voz.
• Pedro Aznar: Bajo Fretless, Guitarra y voz en Nos siguen pegando abajo.
• Larry Carlton: Guitarra en No soy un extraño, Los dinosaurios y Plateado sobre plateado.
• Casey Scheuerell: Batería.
• Doug Norwine: Saxo en Nuevos trapos.

* Letra, música y arreglos de todos los temas por Charly García.

1) Nos siguen pegando abajo (Pecado mortal), 2) No soy un extraño, 3) Dos cero uno (Transas), 4) Nuevos trapos, 5) Bancate ese defecto, 6) No me dejan salir, 7) Los dinosaurios, 8) Plateado sobre plateado (Huellas en el mar), 9) Ojos de video tape.

Como ya había mencionado en mi revisión de The Game (1980 - Queen), los ochenta traerían una nueva moda: la new wave, con ritmos bailables y sintetizados. Muchos de los grandes del rock internacional no supieron llevar ese cambio, era demasiado radical.. o muchos lo hicieron de manera poco efectiva, como Queen o Pink Floyd. 

Charly García supo incorporar la new wave a sus composiciones, pero no en exceso.. solo lo justo para mantener el nivel de genialidad que lo caracteriza, así nació Clics Modernos.

Se viene un de los hits y sencillos más vendedores del álbum con Nos siguen pegando abajo (Pecado mortal), con un ritmo new wave, un genial riff y los arreglos de sintetizador propios de este género. Una divertida letra y melodía sellan un verdadero clásico y fijo en los conciertos de Charly. 

No soy un extraño es un poco más tranquila y tiene unas relajantes atmósferas, aunque también tiene un ritmo programado, los arreglos guitarra del medio están muy bien logrados. El bajo es primordial en la estructura del riff, muy original por parte de García. 

Dos cero uno (Transas) comienza con una percusión tribal y un agradable piano. La línea de bajo es excelente y la melodía muy bella, remonta a los mejores tiempos de Serú Girán. Cuenta además con una ácida lírica, pero muy destacable.

Volvemos a lo new wave con Nuevos trapos, batería con ritmo programado, bajo muy presente, al igual que en los primeros dos tracks. Pero aunque no tiene la energía del primero, este tema tiene a su favor unos buenos arreglos de piano y un magnífico solo de saxo en el final.

Bancate ese defecto es más rápida, y mucho más divertida. El bajo es sensacional otra vez, y la melodía bastante atrapante, además la lírica despreocupada le da un toque especial al tema. Los arreglos de sintetizadores y teclados son competentes. Lo único que podría decir es que se hace un poco extensa, pero no aburre, al contrario.. se disfruta mucho. Muy buena canción.

Más velocidad aún con No me dejan salir, en la que unos gritos acompañan el riff con gran presencia de bajo.

Tema muy divertido, a pesar de sus 4 minutos bastante insistentes en estructura, en ningún momento se experimenta una sensación de aburrimiento. En fin, muy resaltable tema.

¿Escuchan eso?.. me suena a magnus opus, ¡Ah si! la colosal balada Los dinosaurios, que cuenta con un piano estremecedor, y una bellísima melodía. 

La lírica tiene grandes momentos, trata sobre los desaparecidos en el sanguinario periodo de reorganización nacional (1976-1983).

Plateado sobre plateado (Huellas en el mar), es otro tema a base de piano. Ni de casualidad tan bueno como el anterior, aunque tiene unos buenos arreglos relajantes, un excelente bajo y una excelente melodía.

Hay un solo de guitarra medio floydeano sobre el final, nada mal por cierto.

Una buena balada con mucho bajo y un buen piano cierra el disco: Ojos de video tape, sus argumentos de buena canción se basan en su gran melodía y excelentes arreglos de teclados que le dan una buena y tranquila atmósfera. 

Mmm, es un disco contradictorio para mi.. porque la verdad siempre fui de los férreos detractores de la música ochentosa, new wave y todo lo comercial.. pero este disco es magnífico, lleno de creatividad e ironía. Porque todos los arreglos programados y de sintetizadores están usados con un fin satírico, y además con una justeza y cuidado sensacionales, que hacen que todo suene perfecto y armonioso.

No voy a negar que hay temas comerciales como Nos siguen pegando abajo, pero díganme.. ¿A quién no le dan ganas bailar y cantar al compás de esta divertidísima canción?

Este disco tuvo poco éxito al principio, porque la gente pensó que Charly se había vendido... pero no fue así, el gran García solo jugueteaba con los estilos musicales, fusionando ritmos y sonidos para llegar a crear un excelentísimo álbum, muy pero muy original, que indudablemente está a la altura de sus mejores trabajos con Serú Girán, Sui Generis o de La máquina de hacer pájaros.

Mejor canción: Los dinosaurios
Peor canción: -
Riff definitivo: Nos siguen pegando abajo (Pecado mortal)
Rocker definitivo: -
Balada definitiva: Los dinosaurios
Canción sobrevalorada: No soy un extraño
Canción infravalorada: Dos cero uno (Transas)

Calificación final del álbum: 9/10

Almendra (1969)

Almendra:
• Luis Alberto Spinetta: Guitarras, piano y voz
• Emilio del Guercio: Bajo, flauta dulce y voz
• Edelmiro Molinari: Guitarras, órgano y voz
• Rodolfo García: Batería, percusión y voz

* Todos los temas compuestos por Luis Alberto Spinetta, a excepción del 2 y el 8 (Molinari y del Guercio respectivamente).

1) Muchacha (Ojos de papel), 2) Color humano, 3) Figuración, 4) Ana no duerme, 5) Fermín, 6) Plegaria para un niño dormido, 7) A estos hombres tristes, 8) Que el viento borró tus manos, 9) Laura va.

¿Qué momento verdad? tengo en frente a uno de los discos más importantes de la historia, la primera obra maestra de un rock tan carismático y competente como el de Argentina. La consolidación del primer grupo de Spinetta como referente de la nueva ola de rock, que sentaba sus bases en el equilibrio entre lírica y calidad musical, dejando atrás la comercialidad y simplicidad de otros grupos célebres de la época como Los Gatos.

Todo un logro, compitiendo contra Abbey Road (Lanzado en septiembre de 1969), Almendra logró liderar las listas de ventas locales, transformándose en toda una sensación popular.

Magnus opus, es la palabra que define a la primera canción, la bellísima balada acústica Muchacha (Ojos de papel), compuesta por el maestro Spinetta para su primer gran amor, Cristina Bustamente.

Carece de complejidad, o de tener un toque épico. Básicamente es un hombre, su guitarra y una poesía que llena los ojos de lágrimas, aunque obviamente con una melodía exquisita, que te atrapará casi a la primera escucha.

Color humano es un ambicioso tema mucho más eléctrico y pesado, aunque también una de las guitarras y un punteo inicial es acústico. La duración (9 minutos) tal vez sea algo exagerada, pero sin duda estamos frente a una excelentísima canción, con un magnífico riff y unos competentes arreglos. El solo de guitarra es melodioso y bastante aceptable, aunque se me hace algo largo y llano sobre el final.

La lírica es original y tiene grandes momentos, definitivamente no se queda atrás para nada.

Las improvisaciones rockeras típicas de estas zapadas son también competentes y muy apreciables.

Figuración, que comienza con una hermosa introducción de flauta dulce (Que se haría presente en todo este tema y llega a su punto más bello en el estribillo). Melodiosamente no es tan perfecta como Muchacha, pero sin embargo es muy original y agradable.

La lírica trata sobre la visión indiferente del mundo frente a los problemas personales de la gente, como diciendo.. "Cada uno piensa en lo suyo..", o "La vida sigue igual.." Sin dudas otro competente trabajo de Luis como compositor.

Lo mejor de Ana no duerme es la introducción bien rockera, con unos rasgueos de guitarra y unos potentes tamborazos de Rodolfo García. Un toque muy power sin duda, los arreglos de guitarra eléctrica en general son muy buenos y el estribillo también suena bien. Aunque en lineas generales no llega a la excelencia de los demás títulos, pero no me malinterpreten, es bastante buena canción.

Según mi interpretación, la lírica trata de la dispersión y los "viajes" de la mente adolescente. Muy original y rocker. Además le da al disco un quiebre pesado luego de la pasividad y armonía de Figuración.

Fermín es una originalísima y muy poética metáfora sobre las aberraciones y segregación característica de la época con los chicos y jóvenes con algún tipo de retraso o deficiencia mental.

Musicalmente la melodía es perfecta y cuenta con un bonito final de armónica, que le da un toque optimista a una letra bastante negativa y oscura.

El nivel vuelve al estrato de Muchacha con Plegaria para un niño dormido, otra colosal balada acústica con un magnífico preludio de guitarra y una melodía enternecedora de verdad.

La lírica es fantástica, no hay mucho más que decir.. de las mejores del flaco Spinetta. Hasta creo que ni siquiera es tan valorada como se lo merece, una de las mejores canciones acústicas de la historia del rock nacional. Sus detractores argumentan una mala acentuación en la lírica, y es verdad.. pero con semejante melodía, ¿Quién se va a fijar en eso? jaja 

Un ritmo de batería poco usual y un genial bajo junto a unos poco atractivos arreglos de guitarra eléctrica irrumpen para dar inicio a A estos hombres tristes, un número más urbano y tal vez jazzero en relación a los anteriores. Otra excelente letra que llega a su éxtasis en el emocionante estribillo, muy bien cantado por Spinetta. Algunos pasajes más tranquilos le dan un toque más pasivo al tema, cosa que hace que aburra un poco a la larga, pero de todos modos se mantiene dentro de un nivel de composición muy alto. Ah! casi lo olvido, esos campanazos del medio son horribles, no pegan ni con cola. Pero los solos de guitarra de esa sección son muy buenos y originales.

Que el viento borró tus manos, un tema jazz con toques tangueros sobretodo en el canto de los versos previos al estribillo, al que le sigue unos geniales arreglos de flauta dulce. Un tema que exhibe la influencia y variedad de estilos en la música de Almendra, muy bueno.

El disco se despide de manera fantástica, con el magnífico "calco" de She's leaving home de The beatles, pero hecho por el flaco Spinetta. Laura va tiene una bellísima melodía y una lírica que trata la misma temática que su contraparte compuesta por Paul McCartney.

Los arreglos de violines son muy agradables, y el bandoleón de Rodolfo Mederos consagra a una de las canciones predilectas de los fans de Almendra y del flaco en general.

Bueno, el balance general es excelente.. todas las canciones son excelentes, completas, originales. Además las líricas son muy metafóricas y poéticas, todas igual de geniales.

El disco proporciona un quiebre fundamental para el desarrollo del rock argentino, restando importancia a las composiciones simples de grupos como Manal o Los Gatos. Sin dudas Almendra estaba muy por encima de las bandas del momento, ya sea en el aspecto lírico o en el musical. ¡Y pensar que solo pocos años atrás Sandro y los de fuego cantaban al compás de Dame fuego! 

Instrumentalmente los músicos de Almendra son bastante buenos, aunque del Guercio y García no gravitaron tanto como el flaco y Edelmiro Molinari, que nos dejó su sello con la muy buena canción, Color humano.

En fin, Almendra I es un disco legendario, no veo inconvenientes para ponerle un definitivo 10.

Dedico esta revisión a la memoria del flaco Spinetta, que en paz descanse. ¡Gracias por tanto arte, maestro!

Mejor canción: Muchacha (Ojos de papel)
Peor canción: -
Rocker definitivo: Color humano
Riff definitivo: Color humano
Balada definitiva: Plegaria para un niño dormido
Canción sobrevalorada: Ana no duerme
Canción infravalorada: Plegaria para un niño dormido

Calificación final del álbum: 10/10

Sistema de calificaciones para álbumes

Para los que se venían preguntando como calificamos los álbumes, me tomaré la molestia de detallarlo todo:

Califico las canciones de la siguiente manera, coloreando el tema según su calidad:

• Canciones en ROJO, excelentes, trascendentes, muy buenas.
• Canciones en NEGRO, irrelevantes, buenas, aceptables, escuchables.
• Canciones en AZUL, pésimas, dañinas, malas, horribles.

Al final de cada review, cito:

• Mejor canción
• Peor canción
• Rocker definitivo
• Balada definitiva
• Riff definitivo
• Canción sobrevalorada
• Canción infravalorada

Y luego de eso, califico el álbum de manera general del uno (1) al diez (10):

• 1 - 3 Horriblemente malo, perjudicial para la salud humana.
• 4 - 5 Regular, mediocre tirando a malo.
• 6 - Aceptable, escuchable.
• 7 - Bueno.
• 8 - Muy bueno.
• 9 - Excelente.
• 10 Obra maestra.

Magos, Espadas y Rosas (1990)

• Walter Giardino - Guitarrista líder
• Adrián Barilari - Cantante
• Sergio Berdichevsky - Guitarra rítmica
• Gustavo Rowek - Baterista
• Guillermo Sánchez - Bajista
• Hugo Bistolfi - Tecladista

Todas las letras por Walter Giardino y Adrían Barilari.

1) La leyenda del hada y el mago, 2) Mujer amante, 3) El beso de la bruja, 4) Haz tu jugada, 5) El camino del sol, 6) Días duros, 7) Por qué es tan difícil amar, 8) Preludio obsesivo, 9) Otoño medieval.

Sin dudas Magos, espadas y rosas es uno de los discos clásicos del heavy metal argentino. Además fue el primer disco de Rata Blanca en el cual participó Adrián Barilari, el carismático vocalista de la banda.

Uno de sus mayores logros es el haber alcanzado en menos de ocho meses el Disco de Oro, siendo uno de los discos más vendidos de la historia del rock nacional.

Debido al éxito de este álbum, inmediatamente la banda comenzó a escalar posiciones y consiguió lograr un desmesurado reconocimiento tanto en la Argentina como en el resto de América.

Ya desde el comienzo estamos frente al magnus opus, la mejor canción que compuso Rata Blanca en sus más de 20 años de trayectoria. La leyenda del hada y el mago, que desde el comienzo arrasa con sus

pesadas guitarras distorsionadas, un buen riff y su épica atmósfera creada por los teclados de Hugo Bistolfi. La letra cuenta una historia de amor, pero con un toque medieval que será el principal concepto del disco.

Adrián Barilari nos enseña su potentísimo registro y todo su estilo característico para cantar el metal neoclásico que caracterizaba en ese entonces a Rata Blanca.

El solo de guitarra de Giardino en el puente es magnífico, todo un destello de virtuosismo. En fin, tenemos en este tema a toda una referencia del heavy metal argentino, no nos queda más que arrodillarnos ante la potencia rockera y la calidad melódica de gran esta canción.

El nivel seguirá igual de alto con la power-ballad Mujer amante, en esta los teclados vuelven a ambientarnos magníficamente para que las guitarras mucho menos intensas y más melódicas nos anticipen lo que vendrá.. una performance vocal de cátedra de Barilari, convenciendonos de que verdad sufre por amor, por no poder conocer a esa mujer que solo se le aparece en sus sueños, como un súcubo (Un tipo de demonio).

Sobre el final, Walter nos deleita con un solo no tan exagerado técnicamente, sino mucho más melódico, igualmente de excelente que el de La leyenda del hada y el mago.

Todo iba tan bien, hasta que llegó el momento de El beso de la bruja, otro tema de metal neoclásico, pero con una tonta melodía y unos acordes de guitarra no tan originales y muy repetidos, tanto que hartan.

La línea de batería carece de toda inspiración. Y para colmo la canción es larga..

Pero no se confundan, tampoco es mala, pero si mediocre.

Haz tu jugada repite la formula de la anterior canción, tanto que se puede considerar un calco, con unas guitarras pesadonas no tan originales pero si con una melodía aceptable. Los arreglos de teclados son buenos, pero tampoco nada del otro mundo.

La vocalización de Barilari es muy buena, y Giardino aquí luce su virtuosismo, aunque de una manera algo excedida.

El camino del sol empieza con una monótona introducción de teclados y unos efectos de sonido que emulan una tormenta eléctrica, no muy realistas por cierto..

Los arreglos de guitarra son un poco mejores y más originales que en los dos olvidables tracks anteriores.

De la performance vocal de Barilari no hay mucho que decir, siempre cumple y esta no es la excepción.

Giardino toca unos solos zarpados en este tema, muy bueno, aunque la embarra sobre el final. Lo peor es la duración de la canción, nueve tediosos minutos.

Días duros parece una copia barata de El camino del sol, al menos en la introducción de teclados.

Si la batería no había destacado mucho hasta ahora, ahora al menos se puede percibir, lastima que sea por lo malo. El tema no tiene melodía, y si la tiene es tan mala que mis oídos la bloquean para protegerme. La letra no tiene ni un momento bueno, es mediocre tirando a mala.

El solo de Walter es irrelevante, y dios... que feo riff de bajo, ¿Más aburrido y monótono no podría ser verdad?

Días duros es un tema bastante malo, pero tampoco hace daño, solo cansa, harta y revienta la paciencia con sus más de siete minutos de monotonía musical.

Por qué es tan difícil amar es un largo instrumental, bastante aburrido encima. Pero al menos tiene melodía, o un intento de hacer una, cosa que Días duros no tenía.

Pero tampoco es gran cosa, es muy repetitivo y monótono. Y las notas finales de guitarra acústica son insignificantes, aunque es un bonito arreglo.

Llegamos al olimpo de la locura de Giardino, Preludio obsesivo (Eso es lo que Walter tiene con demostrar sus dones de violero, una obsesión sin sentido), aquí pierde todo sentido de lo que es una melodía, abusando terriblemente de la técnica shredding. Digamos, todo lo que quiere es demostrar su inmenso virtuosismo, tanto que se olvida que una canción tiene que llevar melodía. Los coros y esas atmósferas de teclados ya están muy gastadas en este álbum como para destacar.

Lo único que se podría llegar a valorar del tema en todo caso sería el increible virtuosismo, velocidad y calidad técnica de Giardino, ya que en eso consiste la canción.

Habrá un quiebre acústico en el disco con Otoño medieval, un instrumental muchísimo más bello que Preludio obsesivo, y con una más que aceptable melodía. Buena para cerrar el disco.

En fin, Magos, espadas y rosas está sobrevalorado, sobretodo por esos dos primeros himnos del rock nacional, que son un gran mérito de Rata, pero el problema es que se olvidaron del resto del álbum..

El beso de la bruja y Haz tu jugada son idénticos en estructura, e igualmente de monótonos. Días duros es un calco de El camino del sol, pero a diferencia de esta, Días duros es bastante malo, aburrido y reiterativo al cien porciento.

Preludio obsesivo era una pieza innecesaria, al igual que casi todo el disco, y Otoño medieval si es aceptable.

Y como músicos y artistas, pues.. Barilari es un excelente vocalista y Giardino es un excelente guitarrista, algo excedido de humo pero dueño de una técnica infalible.

El resto de la banda habrá preferido ocultarse o no se.. porque no destacan demasiado, casi que no se los percibe. ¡Y no me hablen del batero! que no me parece más que común y corriente.

Rata Blanca se consagra nacional e internacionalmente con este disco aceptable, con dos grandes temas, un poco de relleno y algunos aceptables. De todos modos las dos primeras épicas canciones le dan unos 7 merecidos puntos al récord. 

Mejor canción: La leyenda del hada y el mago
Peor canción: Días duros
Rocker definitivo: La leyenda del hada y el mago
Riff definitivo: La leyenda del hada y el mago
Balada definitiva: Mujer amante
Canción sobrevalorada: Días duros
Canción infravalorada: Otoño medieval

Calificación final del álbum: 7/10

The Game (1980)

Queen:
• Roger Taylor: voz líder, coros, batería, batería electrica, percusión, guitarra eléctrica, sintetizador.
• Freddie Mercury: voz líder, coros, órgano, piano eléctrico, piano acustico, guitarra acústica, sintetizador.
• Brian May: voz líder, coros, guitarra acústica, guitarra eléctrica, piano acústico, sintetizador.
• John Deacon: coros, bajo, piano acústico, guitarra eléctrica, guitarra acústica.

* Letra, música y arreglos de todos los temas por Queen.

1) Play the game, 2) Dragon Attack, 3) Another one bites the dust, 4) Need you loving tonight, 5) Crazy litte thing called love, 6) Rock it (Prive jime), 7) Don't try suicide, 8) Sail away sweet sister, 9) Coming soon, 10) Save me.

Comenzaba la octava década del milenio pasado y muchas bandas clásicas empezaban su inminente declive, Led Zeppelin con el polémico Coda (1982), Pink Floyd con el poco musical The Final Cut (1983) y The Rolling Stones con el eclipsado y poco interesante Emotional Rescue (1980). Pero no todo era desgracia, en la escena local emergían grandes agrupaciones con nuevas propuestas musicales, siendo el caso de Serú Girán el más destacable, y a nivel global, grupos como Metallica, RHCP o el muy talentoso David Bowie.
Este "declive" de la década de los 80, no fue ajeno a Queen, pero a diferencia de otros grupos clásicos que intentaron (Con las ideas agotadas), seguir creando la música que los hizo famosos, la reina del rock se embarcó en géneros hasta el momento desconocidos, llámese música disco, funk, pop sintetizado, entre otros.
The Game es una propuesta arriesgada, pero sin dudas ha sido un éxito de mercado.. consagrandose como número 1 en EE.UU. y el Reino Unido, siendo el primer álbum de la reina en conseguir este importante logro.
Ahora analizaremos minuciosamente esta obra, tratando de especificar los puntos positivos, y obviamente los negativos.
El disco comienza con la power-ballad comercial Play the game, en donde se puede oír una extraña secuencia de sintetizadores como introducción, bastante horrorosa por cierto. Cabe destacar que es el primer álbum en el cual la reina del rock utiliza sintetizadores, y para variar ya quedan bastante mal en este tema.
La melodía me parece bastante simplona, el piano no está en sus más inspirados momentos, pero los arreglos de guitarra de Brian May si son perfectos. La letra es bastante irrelevante, se trata del amor al igual que la mayoria de las líricas de Queen, solo que aquí se lo toma como un "juego".
Si la primera canción era aceptable, aquí el nivel bajará un poco.. Dragon Attack es un aburrido intento de funk que irrumpe con un riff pesado realmente poco original. La lírica es banal, lo único que puedo salvar del tema es el solo de Brian, que realmente hela la sangre. Pero siendo objetivo, y calificando en general la canción, no es mucho más que mediocre.
Llegamos a un gran clásico, el sencillo más vendedor de Queen en EE.UU... Another one bites the dust, una canción repetitiva y bastante cansante que cuenta con un ritmo de música disco (Género en el que Queen se metería de lleno luego del gran éxito de este sencillo). Los sintetizadores vuelven a quedar bastante mal utilizados. Como factor positivo puedo decir que gustan las guitarras pesadonas del medio. La letra si es bastante más original que las anteriores, eso es otro punto destacable.
Need your loving tonight empieza con un fantástico riff hard-rockero, probablemente el mejor del disco.
La letra es intrascendente y la vocalización de Mercury peca de carecer de la calidad que tenía en las tres primeras canciones (Uno de sus pocos puntos fuertes, ya que estas tres canciones son bastante mediocres).
El estribillo no emociona para nada, solo da ganas de dormir. Este tema solo se salva por el riff, pero aclaro que no tiene nada más que lo haga escuchable.
El nivel sube bastante con el rockabilly Crazy little thing called love, una canción bastante original y divertida, el acompañamiento acustico es normal, el bajo se convierte una pieza clave por primera vez.
Se aprecia también la calidad del solo de guitarra de Brian May, infaltable en las canciones de la reina del rock. El gran problema de este tema es que es demasiado largo, se hace tedioso y agotador (Para lo monótono que es).
Rock it (Prive jime) abre el lado B, pero de una manera pésima, con los peores arreglos que he oído de Queen y una penosísima vocalización de Taylor. ¿Los sintetizadores no podían escucharse de  una manera más idiota?, ¿Parece imposible verdad?.. Además el solo de guitarra es el peor que he oído de Brian May. Encima trata de ser una oda al Rock and roll, como lo anticipa Mercury en el comienzo del tema.. ¡y luego de eso salen con semejante porquería!, la verdad es lamentable.
Don't try suicide es otra cancion horriblemente mala, aquí todo es malo, desde el estribillo hasta los arreglos, pasando por el irrelevante solo de guitarra. La letra es demasiado sosa, invita a no sucidarse.. e incluye semajantes taradeces como: "Suicide, suicide, suicide, bid..". La verdad esta canción es totalmente deplorable y no deja explicación posible de como se puede componer tan mal (Teniendo en cuenta que la banda en cuestión es Queen).
Sin duda este disco ha caido en un pozo que parece no tener fondo. La siguiente canción es Sail away sweet sister, de esta cosa me gusta solamente el piano y la melodía inicial, el resto es destarcable, a excepción del magnífico solo acústico y los arreglos de Brian. Es normal, pero muy superior al repulsivo intento de canción anterior, y al que vendrá..
Coming Soon es otro intento funk, pero esta vez mucho más pésimo y terriblemente asqueroso. El riff pesado y la batería tratan de sonar pesadas, pero realmente más que dar sensación de crudeza dan sueño.
Los arreglos de guitarra no son malos, pero no tienen nada que ver con la canción, May siempre utiliza el mismo sonido para power-ballad, disco o funk.. sin importar que en estas últimas suene bastante desentonado. De todos modos esto no tiene influencia en lo malísima que es esta canción. ¡Es increible que ni siquiera Mercury pueda salvarla con una buena performance vocal!.. nada más que decir, la tercera canción imposible de aguantar de este LP, por suerte será la última.
Este pequeño disco nos hizo esperar bastante para brindarnos el magnus opus, Save me, otra power-ballad comercial, pero con un gran piano, unos geniales arreglos con un solazo de guitarra y una melodía estremecedora hasta el alma.
Es lamentable que sean solamente dos las canciones (Save me y Play the game) en las que se puede reconocer a Queen, la mayoría de las otras pueden llegar a ser confundidas con una composición de Airbag (Sin ánimos de ofender a sus fanáticos y/o admiradores).
Todos los solos de Brian May aquí son un calco del anterior, Mercury no se luce para nada, y además Deacon y Taylor fueron casi imperceptibles. 
La verdad que me costó valorar este disco, tiene puntos demasiado flojos.. pero hay algunas canciones que son regularmente aceptables y una muy buena, que dan al record unos 6 puntos más o menos merecidos. Aunque me queda una espina, ya que los aquí los temas malos, son demasiado malos como para ser de una banda de la calidad de Queen.
En fin, la reina del rock deberá esperar casi una década para volver a firmar un gran álbum, pero para entonces Mercury sufrirá la terrible voluntad del destino.

Mejor canción: Save me
Peor canción: Coming Soon
Riff definitivo: Need your loving tonight
Rocker definitivo: Crazy little thing called love
Balada definitiva: Save me
Canción sobrevalorada: Another one bites the dust
Canción infravalorada: Sail away sweet sister

Calificación final del álbum: 6/10

Los Jaivas (1975)

Los Jaivas:

• Gato Alquinta – Voz, Guitarra eléctrica, Guitarra acústica, Charango, Flauta dulce, Flauta piccolo, Tarka, Trutruca, Tumbadora, Güiro
• Gabriel Parra – Batería, Bombo legüero, Tumbadora, Caja, Cencerro, Trutruca, Coros
• Claudio Parra – Piano Steinway, Piano eléctrico, Güiro, Maracas, Zampoña, Trutruca
• Eduardo Parra – Piano, Órgano, Tumbadoras, Bongó, Cascabeles, Tarka, Zampoña
• Julio Anderson – Bajo, Guitarra acústica, Trutruca, Coros
• Alberto Ledo – Charango, Tarka, Zampoña, Trutruca, Palmas, Silbido, Coros

* Letra, música y arreglos de Los Jaivas en todos los temas.
* Tarka y ocarina se subdivide en tres partes: Diablada, Trote y Kotaikí.

1) Pregón para iluminarse, 2) Guajira cósmica, 3) La conquistada, 4) Un mar de gente, 5) Un día de tus días, 6) Tarka y ocarina.

¡Rock progresivo con cueca y folklore! ¿Qué tipo de extraña y maravillosa mezcla es esa?... esta es la actitud de los oyentes al descubrir a este grupo chileno formado en el año 1963, que se destacó por la mezcla de sonidos y la música tradicional andina, con las nuevas corrientes del rock sinfónico y progresivo.

Radicados en la Argentina desde el 1973, a raíz del golpe de estado en septiembre de ese mismo en Chile. Grabaron su quinto LP en su estadía en nuestro país, este disco homónimo es conocido popularmente como "El indio", por su característica portada.

La primera canción es Pregón para iluminarse, que comienza con una llamativa introducción de flauta dulce, que se fusiona con la batería y un inspirado bajo. Todo esto crea una divertida y alegre atmósfera para la muy optimista y genial lírica escrita por el Gato quien se basó en los pregones de los vendedores (Traigo lunas para su jardín/Y ramitos de sonrisa en flor) para complementarlo con una plegaria por la paz y la armonía de la humanidad.

Es destacable el coro que repite "hágase la luz" incesantemente, complementando el aire de optimismo del tema, y también un gran solo distorsionado del Gato Alquinta.

La canción termina con una gran coda, con la batería deslumbrante, y la guitarra distorsionada acompañada de unos bellos acordes de piano.

La obra sigue con Guajira cósmica, que empieza de manera sensacional con un preludio de piano realmente clásico e inspirado, acompañado de una guitarra acústica. Luego unos arreglos de guitarra distorsionada y acústica acompañados de una genial percusión matizan la buena letra del Gato, que además canta con gran ímpetu.

La línea de bajo es destacada y sobre el medio sale a relucir un buen órgano. Los arreglos de instrumentos de viento andinos no me llaman mucho la atención, pero son parte de la esencia de estre gran grupo chileno

En el final hay una reprise del preludio de la canción, pero ahora a la guitarra la acompaña un sintetizador en lugar del piano, sin embargo suena igual de excelente.

Al igual que la primera, es una canción espectacular.. este nivel se mantendrá igual de alto con La conquistada, una canción con ritmo de cueca lenta, que abre con unas lineas de bajo acompañadas por el piano de Eduardo Parra.. luego de esto irrumpe el virtuosismo de Gabriel Parra para tocar la batería.

Los arreglos son fantásticos, y quedan espectacularmente bien junto a la nuevamente genial línea de bajo (El bajo de Julio Anderson comienza a ser primordial en el sonido de Los Jaivas).

La lírica tiene grandes momentos y trata sobre la caida de Santiago de Chile en el golpe de estado de 1973.

En el final el charango no queda muy bien según mi opinión, ya que la interacción entre la guitarra, el bajo, la batería y el piano ya por si sola es perfecta. En términos generales es una muy buena canción.

Un mar de gente es un intento de crear un himno de unidad, algo similar a Todos juntos (Sencillo de 1972).

La percusión y la melodía son puntos muy fuertes, la primera le da un toque tribal y algo optimista.

Luego hay unos arreglos andinos que no desentonan para nada en términos de calidad, más junto al canto del Gato irrumpe el siempre protagonista bajo de Julio Anderson.

A pesar de no tener la calidad de las primeras tres canciones, este tema vuela bastante alto, lo suficiente para ser destacado.

Ahora si, comienza lo más flojo del disco con Un día de tus días, una canción netamente comercial, un tibio intento de crear un hit romántico, lo único destacable es el buen acompañamiento de guitarra acústica y un buen solo de quena (Instrumento tradicional andino). Desentona mucho en términos de calidad con el resto de los tracks, pero tiene una buena melodía y eso la salva bastante. En fin, aceptable.

Pero Los Jaivas aún tienen mucho para ofrecer con la épica pista progresiva, Tarka y ocarina.. la más larga del álbum con 13 min. de duración total.

Se subdivide en tres partes, en todas el principal artífice es el piano de Eduardo Parra, realmente fantástico.

La primera se llama Diablada y comienza con unos instrumentos de viento andinos, que terminan combinándose con la batería, el bajo y la potente y distorsionada guitarra eléctrica. Un pasaje muy hard-rockero, todo un destello de virtuosismo por parte de Los Jaivas. El piano irrumpe en la segunda mitad de este pasaje, matizado por los tamborazos de Gabriel Parra.

Una escala descendente-ascendente hará de puente musical para el comienzo de Trote, la segunda parte de la suite. Esta es mucho más rápida que Diablada, aquí Gabriel Parra si que se luce de verdad, el bajista Jose Andrade y el pianista Eduardo Parra también alcanzan sin dudas su climax de inspiración en la suite.

Un buen riff de bajo, aunque poco original da un quiebre al pasaje, que luego retoma su velocidad inicial y sus arreglos andinos. Sobre el final de Trote hay un solo increible de batería, sin duda te dejará helado.

Unas fuertes notas de piano de Eduardo junto a los tamborazos de Gabriel Parra hacen de coda para esta sección, dando inicio a la más serena Kotaikí, en la cual desde el comienzo se lucen los teclados y arreglos de piano con una bellísima y celestial melodía, todo acompañado suavemente por una guitarra acústica.. hasta desvanecerse en la nada.

Tenemos en "El indio", un álbum lleno de matices y variedad musical. También con importantes destellos de virtuosismo como las poderosas líneas de batería de Gabriel Parra, o las clásicas y bellas melodías de piano de Eduardo Parra, ah y como olvidarnos de las imponentes lineas de bajo de Julio Anderson, y eso que solo estuvo un par de años con Los Jaivas.

El rock progresivo está más que presente en algunos pasajes instrumentales como Trote, la segunda parte de Tarka y ocarina.

Volviendo al tema del álbum, no tengo mucho que decir.. todas las canciones son excelentísimas y muy creativas, excepto la ya nombrada, Un día de tus días.

Tal vez para el oído no acostumbrado al sonido andino, lo más tedioso puedan ser los arreglos que incluyan este tipo de instrumentos.. pero seguramente con las sucesivas escuchas podrán valorar su genialidad.

Así que yendo al punto, el disco homónimo de Los Jaivas es un excelente álbum.. no de 10 puntos, ya que tiene una que otra inconsistencia en canciones no tan geniales como La conquistada, Un mar de gente.. o la regular Un día de tus días. Pero si logra sumar 9 merecidos puntos, hasta con un pequeño plus.

Mejor canción: Tarka y ocarina
Peor canción: Un día de tus días
Rocker definitivo: Tarka y ocarina
Riff definitivo: Segunda parte de Trote (Tarka y ocarina)
Balada definitiva: La conquistada
Canción sobrevalorada: Un día de tus días
Canción infravalorada: Guajira cósmica

Calificación del álbum: 9+/10

The Dark Side of the Moon (1973)

       

Pink Floyd:
• David Gilmour: Voz, pedal steel y guitarra, sintetizador VCS 3, producción
• Nick Mason: batería, percusión, efectos, producción
• Roger Waters: bajo, voz, sintetizador VCS 3, efectos, producción
• Richard Wright: teclados, voz, sintetizador VCS 3, producción
Músicos adicionales:
• Dick Parry: saxofón en Money y Us and Them
• Clare Torry: voz en The Great Gig in the Sky, coros
• Lesley Duncan: coros
• Barry St. John: coros
• Liza Strike: coros
• Doris Troy: coros

Las letras de todos los temas fueron escritas por Roger Waters, la música fue compuesta de manera conjunta por todos los integrantes en la mayoría de los temas.

1) Speak to me, 2) Breathe, 3) On the run, 4) Time, 5) The great gig in the sky, 6) Money, 7) Us and them, 8) Any colour you like, 9) Brian damage, 10) Eclipse.

Vamos a analizar uno de los álbumes más laureados y vendedores de la historia, que ha sido elevado al pedestal del mejor disco jamás creado, cosa que podría discutir.. pero para eso tengo que tener argumentos, vamos a meternos de lleno en el contexto que rodeaba en ese entonces al álbum.
Pink Floyd estaba en uno de sus picos artísticos, ya no sufría de la metamorfósis Barrett > Waters ni del paso del rock psicodélico al progresivo, ya había consagrado este último con discos de la calidad de Atom Heart Mother o Echoes (1970 y 71 respectivamente). Además estaban en un gran momento como músichios, con Waters consagrado como lírico, y con Wright y Gilmour creando las mejores atmósferas oscuras del rock progresivo. Sin duda las cartas estaban echadas, todo se podía dar para que el Dark fuera la obra maestra de los Floyd, veamos que tal les fue..
El disco inicia con una obertura compuesta por Mason, que no tiene mucho que ofrecer ni aportar, esta es Speak to me.
Como si fueran una misma canción, el fin de Speak to me da inicio automáticamente a Breathe, una bella balada muy bien ambientada y con una reflexiva lírica, que yo interpreto como una metáfora sobre la "involuntad" y el "automatismo" que ha tomado el ser humano luego de tanto tiempo de realizar las labores que le impone el sistema (Con esto no quiero ser confrontativo ni mucho menos, solo es una interpretación personal).
Volviendo al tema de lo musical, la balada es muy buena y es destacable en un disco que dejará bastante que desear.
Luego de esta buena pieza, comienza la tediosa On the run, un tema compuesto básicamente por sonidos electrónicos creados con sintetizadores.. estos aparentan simular un viaje espacial, pero solo logran casar el inminente desprecio y aburrimiento del oyente. A pesar de lo que digan, de que es complemento en el concepto del álbum, de que es original, etc.. si, lo que quieran pero yo la considero relleno.
Ahora si vendrá lo genial y artísticamente destacado, Time es una de las canciones más conocidas de Pink Floyd.
Este tema está inspirado en las ideas y la experimentación de Roger Waters sobre el tiempo, de que la vida no se trata de prepararse para lo que viene, sino de tomar control del destino propio de cada persona.
La introducción de alarmas de relojes sincronizadas es horripilante y chillona, pero de ahí comienza realmente lo bueno, con la percusión marcando el ritmo, aparecen algunos espectaculares arreglos de piano, guitarra y algunos destellos de la calidad de Mason como batero.
Los sintetizadores de Wright crean una atmósfera genial, también hay un gran trabajo en las armonías y los coros, lo que hace enternecedora la performance vocal de Gilmour.
El solo de guitarra del medio te vuela la cabeza, es uno de los mejores que he oído, ¡sin dudas es fantástico!
Esta canción es increible, un destello del mejor Pink Floyd, aquel del disco Wish You Were Here.
The great gig in the sky cuenta con un magnífico y sublime piano a la Wright, y una destacada, pero a la larga cansadora, performance vocal no léxica de Claire Torry, acompañada en esa segunda parte de la canción por el órgano Hammond.
En lineas generales no es nada del otro mundo, solo se puede destacar el piano como elemento superlativo.
No mala, pero está lejos de ser una gran canción.
Money es un tema más rocker que irrumpe con un riff muy bueno (Aunque poco original) luego de una nueva introducción del estilo de los relojes de Time. Los arreglos de guitarra son geniales y la performance vocal me convence mucho.
El solo de saxofón es bastante aceptable, el de guitarra tocado por David Gilmour si te vuela la cabeza.
La lírica es una crítica despiadada al sistema regido por el dinero, y toda la ambición que este genera en las personas.
Como dato extra, es una de las únicas dos canciones compuestas en un tiempo de 7/4 que llegaron al top 20 en las listas de EE.UU. La otra es All you need is love, de The Beatles.
Es una canción muy buena y uno de los picos creativos del álbum. Muy destacable.
Us and them es la canción más larga del álbum, empieza con una creativa introducción de organo Hammond, que nos sumerge lentamente en un tranquilo y relajante climax, junto a unas notas de piano y un lento pero agradable solo de saxofón.
La performance vocal también transmite pasividad la mayoría del tiempo (A excepción del estribillo), lo cual le da un quiebre al disco luego de la potencia y energía de Money. Los coros también están muy bien trabajados (Este no era un punto fuerte en Pink Floyd, pero en el Dark lo ha fortalecido satisfactoriamente).
Las atmósferas están muy bien logradas, como ya es costumbre, un gran trabajo de Wright y Gilmour.
Luego de la segunda repetición del estribillo, irrumpe un espectacular y clásico solo de piano, acompañado de unas misteriosas voces, a este le sigue un nuevo solo de saxofón, mucho mejor que el del inicio del tema.
En términos generales es una de las mejores canciones del disco y de la primera etapa progresiva de Pink Floyd (1970-1973).
Any colour you like, una pieza totalmente instrumental, pero ni a palos tan mala como On the run.
Esta tiene unas interesantes atmósferas de rock espacial muy bien logradas, que introducen al oyente en diversos mundos. Los arreglos de sintetizadores de Wright son otra vez, muy buenos (ya es costumbre jaja)
La batería es de lo más destacable, lleva y matiza muy bien los arreglos de guitarra de Gilmour en el medio.
No es nada del otro mundo, pero como ya dije, no es mala.
Brain damage es una de las canciones más conocidas de la obra, cuenta con una atmosferización relajante muy bien lograda y con buenos arreglos de sintetizador.
La lírica está dedicada al legendario Syd Barrett. Dentro de todo, no es mala, pero no supera la normalidad.
Es muy sobrevalorada, algunos la elevan como una de las mejores canciones de la banda.
Instantáneamente luego del fin de Brain damage, comienza Eclipse, la cual sobresale mucho más que la anterior con sus arreglos de órgano Hammond, y su más lograda atmósfera y coros.
Se utilizan fragmentos de la voz de Claire Torry nuevamente, al igual que en Speak to me y Time.
La línea de batería es imponente y muy buena. Sin duda es un buen cierre para una gran obra como lo es el Dark side.
Algunas canciones dejan mucho que desear, pero valoro mucho la calidad de Time, o Money.. además el álbum vincula todas las canciones mediante elaborados puentes musicales, y cierra como obra conceptual de principio a fin.
La producción e ingenería de sonido es sencillamente insuperable y perfecta, Alan Parsons ha ganado un grammy como ingeniero de sonido del Dark side.
Además hay destellos del mejor Floyd, en temas como Time, Money o Us and them, que como ya dije son muy buenos.
Los teclados y sintetizadores del genial Wright le dan su sello de distinción al record, creando grandes atmósferas progresivas, realmente insuperables.
Gilmour y Waters también pasan por un gran momento, el primero como arreglista y compositor de algunos magníficos solos, el segundo como lírista, es descollantemente genial.
Mason tiene un balance aceptable, como ya es costumbre.. esencial para el sonido floydiano.
En fin, The dark side of the moon es un gran álbum, pero no mucho más que eso. No lo considero el mejor álbum de la historia ni de casualidad.

Mejor canción: Time
Peor canción: On the run
Balada definitiva: Breathe
Rocker definitivo: Money
Riff definitivo: Money
Canción sobrevalorada: Brain damage
Canción infravalorada: Us and them

Calificación final del álbum: 8+/10